文章转载自知乎。 原标题为《作文概论浅析》，作者为秦晖。
当今世界上音乐流派五花八门，风格古今中外各种，但大多数音乐所使用的作曲技巧都是相同的，对于初学者来说入门没有什么区别。 本文将为想要入门作文但尚未入门的同学简单探讨一下相关问题。
一
乐理视唱练耳
基础乐理无疑是首先要掌握的。 其内容主要是训练读、写、理解乐谱的能力。 初学者应该选择一本乐理教材，逐章学习，充分理解音程关系、节拍节奏、调性调性等概念，这样才能真正理解乐谱乃至音乐，而不是仅仅对待音乐作为一堆音符的符号。
反对学习乐理的一个论点是，一些精通某些乐器（尤其是和声乐器）的人可以在没有乐谱的情况下直接创作。 但这种情况存在几个问题：一是这种创作受限于人的表演水平； 如果他不是一个精通各种技巧的表演者，他的创作语汇就会很狭窄； 其次，这种创作仅限于人所熟悉的工具。 当他需要为一个他不熟悉的乐器或一个大乐队写作时，你无能为力； 归根结底，这种创作完全依赖于个人记忆，当音乐达到一定程度的复杂和精致时，记忆就不可避免地被拉伸。 各国的传统音乐（如古希腊音乐、中国民间音乐）都是由这种富有创造力的表演者创作并传承下来的，但现在这种方法已经过时，效率低下——对某些人来说是一条捷径，是一种对于大多数人来说还有很长的路要走。
反对学习乐理的另一个原因是，有些原创歌手不用读乐谱就能哼出歌曲的旋律，也能成名。 来自世界各地的民歌是由甚至不识字的农民演唱的。 那些民歌不仅千古流传，而且富有艺术性。 如果你只是为了能够哼出歌曲的旋律，那么你可以忽略所有的乐理，尽情地哼出歌曲。 学习音乐理论是多余的。 但如果你想和原唱一样出名，你就需要明白一个事实：歌手是被商业方式包装的综合性艺术家，不能等同于音乐家或艺术家。 如何成为歌手不是音乐问题，本文不讨论。
反对学习音乐理论的另一个原因是，如今，在音频工作站的帮助下，可以直接在 midi 窗口中编写（或录制）音乐，而不需要阅读乐谱或了解各种乐器的演奏。 这个理由在一定程度上是有道理的。 基于Midi的作曲在配乐等领域是一个不可否认的事实——例如，汉斯·季默的作品在电脑上“演奏”作曲大师软件教程，然后交给其他人进行编排和排练。 ，理论上作曲家不需要读乐谱。 在资金不足的游戏、电视剧或业余创作中，音乐作品根本不可能进入录音棚并被表演者录制。 相反，可以使用软件直接在计算机上生成音频，从而不需要乐谱和音乐理论知识。 但实际情况是，如果因此而跳过乐谱的学习，你将失去阅读大部分音乐文献的能力，也失去进一步学习和声、复调、配器等课程的能力。 唯一的学习方式就是“拉下腰带”，这样视野就大大缩小了。如果你对以后的发展要求不高，也不反对这种方式，你可以跳过乐理直接上手直接用音乐软件。
综上所述，我强烈不建议初学者以任何借口逃避乐理的学习。 然而，简单的乐理不仅枯燥无味，而且如果没有纸上的听觉体验，也很难真正理解乐理的概念。 因此，学习乐理最好与视唱练耳相结合。 视唱是指用音符名称唱出乐谱上的旋律，练耳是指将听到的音乐（最初主要是单曲）用乐谱记录下来。 通过视唱练耳，可以将乐理知识与实际音乐很好地联系起来，听觉上理解乐理，进而理解音乐。
视唱训练非常简单。 您只需选择一本视唱教材，借助乐器（或软件）逐一练习即可。 对于练耳来说，你可能找不到老师或同学给你提问，所以你可以从拾取旋律开始——用五线谱将熟悉的歌曲旋律按照正确的格式一一写出来。 在追求视唱或练耳准确性的过程中，你自然会逐渐认识到节拍、节奏、音程、调性这些概念具体指的是什么，以及为什么存在这些概念。
练习歌唱或演奏的人不应该放弃视唱训练，因为两者并不完全等同。 唱歌时，注意力不会集中在音乐和记谱之间的联系上，尤其是在表演中加入歌词之后。 演奏往往基于听觉记忆，无助于巩固内在的乐理概念。 演奏乐器一般不需要在头脑中想象音高，也无法培养内在的音高感。
通过乐理的学习和视唱练耳，最终训练的是把读到的乐谱变成音乐的能力； 将您听到的音乐变成乐谱。 这两者（尤其是后者）都是作曲家必备的能力。
最后我们来谈谈简谱问题。 简单乐谱适合在非乐谱纸上轻松录制单一旋律，但其乐谱局限性很大，多声部音乐基本无法录制。 如果没有特殊需要，没有必要学习简谱。 如果你想学的话，掌握了简谱之后，稍微有一点知识就可以学了。
二
旋律写作
掌握乐谱阅读和记谱后，就可以开始练习旋律创作了。 过去只能哼出旋律的人现在需要录制这些旋律。 单旋律练习主要有两种类型：歌曲旋律和器乐旋律。 你可以为一首歌设定歌词，也可以凭空想象出一首曲子。 初学者只需要写出一个完整的段落，不需要构思更大的结构。
初学者需要练习的是旋律的流畅、悠扬、完整。 一般来说，它们以对称、方形的结构开始（所谓的“4+4”、“8+8”）——旋律由两个长度相等的句子组成。 它由单词或四个句子组成，每个句子由2或4个部分组成。 旋律的每一句都要听起来好听，特别是每句结尾的去声需要听起来舒服（去声和诗歌的韵律一样重要），而且旋律的结尾一定要能够稳定地停止。
练习时，应有意识地模仿任何可以模仿的歌曲或乐曲的部分或布局。 初学者不必担心“抄袭”。 如果任何片段与其他作品太相似，请尝试更改一些声音。 他们并不那么相似。 形成自己的风格，是构图技术相当成熟之后才需要考虑的事情。 模仿是入门级学习的最佳方式。 但模仿并不意味着放弃想象力。 相反，模仿写作必须在模仿对象的基础上加上自己的创造力和原创性，否则就真的变成了毫无意义的“抄袭”。
如果你写的旋律唱起来也不好听，那么你就必须修改它，直到好听为止。 不要吝啬唱自己的作品，一遍又一遍地唱，一遍又一遍地品味。 也许你刚做完就觉得听起来不错，但第二天又听起来很糟糕。 即使您认为这听起来不错，也不一定意味着它没有问题。 还需要多听听别人的意见，尤其是专业老师和同学的意见，让他们发现其中的错误，然后尝试去理解和修改。 即使是一个音符或一个节拍的改变，也可以使一首旋律变得优美或笨拙，并可以使其风格截然不同——正是在这些细节的提炼中，真正的艺术才能诞生。
在练习过程中，必须有意识地建立旋律“线”的概念。 旋律的上升、下降、徘徊、跳跃、起伏、停滞……都会在乐谱上和听觉上形成线条轮廓。 旋律的旋律与旋律的优美与否有着复杂而深刻的关系。 尤其是在揭示旋律结构时，线条的形象化概念会使抽象的结构变得清晰易懂。 例如，如果一首旋律的前半部分总是徘徊在几个音符之间，那么它的后半部分就需要起伏来满足期望； 多重起伏的旋律需要在后期形成一个高峰作为高潮……但并不是所有的旋律都是靠线条美来取胜的。 例如，有时旋律的吸引力主要是基于节奏。 在这种情况下，线条可以非常简单。
当你在和声学得相当程度之前写旋律时，你不需要考虑和弦如何配置。 你只需要考虑旋律的大纲、调式、调性、风格等问题。 当和声水平足够高，不对旋律创作施加限制时，就不需要练习单一旋律，而是需要直接构思多声部音乐。 当然，对于初学者来说这不再是问题。
三
和谐
如今几乎所有的音乐都是复调的，只用一个旋律就能创作出一首完整音乐的日子已经一去不复返了。 因此，一定的和声知识无疑是进入作曲的必修课。
和声是一门研究如何创作和分析多声部音乐的学科。 我们这里所说的和声是指狭义上的传统和声，或者说“古典”和声。 其内容主要是从古典音乐大师的创作中总结出来的，并被广泛运用。 如今它存在于流行歌曲、影视配乐等各种音乐领域。 此外，还有很多其他的和声知识，比如爵士和声、无调性和声等，这些“话题”科目都是以传统和声为基础的，所以初学者暂时不需要关注。
与旋律创作一样，和声学习可以在掌握基础音乐理论后开始。 中国音乐学院流行的《斯波索宾和声教材》不值得参考，除非你打算报考音乐学院作曲专业。 这本教科书太机械、教条了。 它几乎完全是一本应试教科书，而不是一本艺术教科书。 书中的一些概念和术语已经过时或偏离国际主流习惯，不利于进一步的学术研究。 大多数和声书籍，包括这本，涉及古典音乐的创作，其复杂程度超出了许多业余爱好者或自学者的需要，因此不一定会被采用。 如果你根本不打算学习古典音乐作曲，那么就选择一本流行音乐和声教材吧。 即使你专门研究古典音乐的和声，如果不是为了准备国内考试，也有远比《斯波索宾》教材更好的选择，比如库斯特卡和声、勋伯格和声、活塞和声等。 等待。
初学者首先需要学习所有常见的和弦。 古典音乐理论使用调内级别来识别和弦，而流行音乐理论则使用实际音高。 两者只是视角不同，但本质上没有区别。 你可以选择其中之一，最好两者都掌握。
学习和弦之后，你需要学习如何连接和弦，如何使用连续和弦来组成句子，以及如何为旋律配置和声与伴奏。 和声书写一定不能纸上谈兵——虽然需要大量的纸质工作——而应该始终从听觉上去体验，无论是聆听自己写的和声段落，还是分析其他作品的和声技巧。 一个地方应该使用什么和弦不是计算出来的，而是通过自己的审美经验和大量的实践经验来确定的，就像写旋律一样。 虽然有些情况下可以根据和声的知识来计算，比如在和弦与旋律匹配的问题中，可以根据旋律声音来计算，但这种“求窍门”其实是相反的，对你的艺术水平的提高根本没有帮助。 浪费你的时间。
随着和声的学习，练耳的内容也会从单纯听旋律扩展到听和弦。 在练习过程中，和弦的听觉记忆会逐渐在心里形成。 有时你无法识别你听到的和弦，所以首先听组成它的每个音符，然后组合并理解它。
一旦你为旋律写了和声，就很容易将和声变成伴奏。 这就需要掌握一些常用的伴奏模式，也叫伴奏织体，以及一些乐器技巧。 一般来说，可以从学习钢琴伴奏开始。 肌理的学习主要依靠模仿书写，有些教材也会涵盖相关内容。
当你能够为自己的旋律写出和声和伴奏时，你离创作简单的音乐作品就不远了。
乐理、视唱练耳、旋律创作、和声是几乎所有音乐创作者都需要掌握的知识。 音乐创作的知识越来越复杂。 根据音乐的类型和流派，并非每个人都必须掌握它们。 比如古典作曲家还需要掌握复调、配器、曲式等知识，而爵士乐作曲家则需要掌握爵士和声、即兴创作、爵士配器……由于这些不再是作曲的入门内容，本文不会进一步讨论它。
四
创作一首完整的音乐作品
这里所说的完整的音乐作品是指音频的制作作曲大师软件教程，而不仅仅是乐谱的写作。 无论是初学者，尤其是业余爱好者，写歌还是器乐，找到专业演奏家或歌手来表演的可能性很小。 因此，要获得作品的音频，需要掌握作曲软件。 即使您本身就是演奏家并具有录音功能，但如果仅限于自己的乐器，您仍然需要使用各种软件。
作曲软件主要分为三种类型：记谱软件、音序器和音源。 乐谱软件的主要功能是绘制乐谱。 虽然大多数都具有播放功能，但仍远远落后于音序器。 所以对乐谱要求不高或者不依赖乐谱的人可以直接在音序器中创作。 当然，用记谱软件编写的音乐也可以导出为 MIDI 文件或音频文件，然后导入到音序器中进行进一步编辑。 音序器，或称主机、数字音频工作站，是音乐制作的主要软件。 大多数音序器都带有自己的声音发生器、效果和乐谱功能，因此对于初学者来说，拥有一个音序器就足够了。 声源或音色样本是虚拟乐器。 在电脑上创作的音乐大部分都是通过音源来获得播放效果的。 记谱软件和音序器都可以加载声源。
另外，还有一个名为效果器的插件，可以对音频进行各种后期制作调整。 完成音乐创作后，您将需要使用它们来提高最终的音频质量。 大多数音序器都带有常用的效果器，初学者掌握一些基本用途就足够了。
这三类软件（尤其是后两种）是在电脑上创作音乐时必须掌握的。 除了自己摸索之外，市面上和网上也有很多教程可供参考。 除了这三种基本类型的软件之外，还有很多与音乐创作、音频制作甚至音乐工程相关的软件，比如更复杂的效果器、合成器、互动音乐软件等，这些都超出了初学者的范围。需要掌握。 ，有兴趣在音乐工程、电子音乐和其他领域发展职业的人将需要接触这些知识。
一旦掌握了作曲软件的操作，具备了编写旋律与和声的能力，那么你距离创作一部完整的作品就只有一步之遥了。 您只需用所需的音色来表达旋律和和声即可。 入门的方法依然是模仿、拿起磁带。 你可以从模仿你喜欢的作品开始。 这个过程会涉及到一定的配器和音乐制作方面的知识，超出了入门级作曲的范围，所以我们不再进一步讨论。
五
走向专业
相当一部分走上专业音乐创作道路的人是通过在音乐学院学习获得专业能力的，这涉及到申请音乐学院和选择专业的问题。
国内大部分音乐学院、艺术学院或综合性大学音乐学院都设有作曲系。 一般来说，进入此类作曲系后学习的课程是古典音乐理论和当代古典音乐创作。 虽然不教流行音乐，但掌握古典音乐作曲技巧就足以自学其他音乐了。 国内外多名影视配乐作曲家毕业于作曲系。 然而，这并不意味着作曲毕业生可以自然进入商业音乐创作领域。 事实上，他们中的大多数人并没有从事专业的音乐创作或者干脆放弃了作曲行业。 或许原因之一是国内很多音乐学院的作曲系与音乐市场基本脱节，人脉关系孤立。 作曲专业的毕业生很难挤进商业创作圈子，除非你私下交了一群朋友，或者你的导师恰好是商业圈的人。 很多热衷于这个专业的作曲毕业生都会留在音乐学院当老师。 他们的创作既有面向学院的“学术”作品，也有面向社会的“商业”作品。 这一切都取决于个人。 的选择和努力。
国内音乐学院也有一些专业也可以学好作曲，比如电子音乐作曲、流行音乐作曲、音乐剧作曲等，每个机构的设置都不同。 如果对古典音乐没有兴趣，不建议选择作曲系。 可以考虑这些专业。
国外音乐学院的情况因国家而异。 总体来说，欧美的音乐教育水平和文化氛围比中国要好。
申请音乐学院本科作曲专业，必须具备一定的专业素质。 这些素质包括上述的乐理、视唱练耳、旋律写作、和声写作等，具体内容请参考各学校的官方网站。 自学学生很难确认自己是否达到考试要求（一般通过自学很难达到）。 最好的办法就是找音乐学院的老师上私人课，老师会安排你的复习和准备事宜。
还有很多配乐、流行音乐等领域的专业作曲家没有进入音乐学院。 因此，对音乐学院不感兴趣的人可以通过自我探索和与志同道合的朋友交流来学习和进步，寻找从事专业创作的机会。
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