上周，国际唱片业协会（IFPI）把最新的《全球音乐报告 2025》发布了出来。
全球录制音乐产业再度迎来增长，这依然是好消息。其收入达到 296 亿美元，增幅为 4.8%，并且实现了连续第十年增长。
IFPI 首席执行官 VICTORIA OAKLEY 表示，虽然增长速度相较于近年来有所减慢，但是依然在全球经济的众多领域里展现出了音乐行业顽强的生命力，并且成为了其他行业值得羡慕的增长典范。
但不可回避的事实是，流媒体的红利正逐渐接近饱和状态，实体唱片遭遇了诸多挑战，掌握话语权的那些唱片公司也在暗暗地进行转型，那么音乐产业的下一个十年的机会究竟在何处呢？
流媒体放缓，实体受挫，墨西哥突围
先来看各个子版块的数据。
其中，流媒体收入首次达到了 200 多亿美元，突破了 200 亿美元大关，具体为 204 亿美元。这部分收入占全球录制音乐总收入的 69%。尤其是付费订阅流媒体收入，呈现出 9.5%的增长态势。它占全球录制音乐收入的比例在 51.2%以上，首次超过了一半，付费成为了产业增长的核心驱动力。
广告支持的流媒体收入增速较为缓慢，仅为 1.2%。然而，全球订阅用户数从上一年的 6.67 亿增加到了 7.52 亿，增幅达到了 10.6%。
从近十年的数据趋势方面来看，流媒体收入的增速放缓这一情况已经成为事实。
2015 年，全球录制音乐产业结束了持续十年的下滑态势，迎来了强势回升。在这其中，流媒体增长了 42%，凭借这一增幅，一举带动了产业的复兴。然而，到了 2022 年之后，随着流媒体市场进入平台期，其收入的增速开始逐渐放慢。
市场研究机构 MIDiA 预测，从 2022 年起至 2030 年，流媒体收入的增幅会小于 10%。未来，流媒体的增长周期或许将进入新的阶段。
2024 年实体音乐收入的降幅和 2023 年的强劲增长形成鲜明对比。2018 年左右开始，实体唱片收入进入上下浮动的增长模式。今年黑胶唱片销售增长了 4.6%，且连续第 18 年实现增长。CD 收入下降了 6.1%，VCD 等收入下降了 15.5%。这些导致实体总收入下降了 3.1%。
可以看到，多年来，黑胶唱片在复兴，消费者需求呈现多样化，疫情产生了影响，流媒体等因素也相互交织。在这些因素的作用下，实体市场已经出现了分化。
Taylor Swift 在艺人以及专辑、单曲荣誉方面依然是大赢家。她第五次成为 IPFI 年度最畅销全球唱片艺人。去年她的新专辑《THE TORTURED POETS DEPARTMENT》登顶全球十大专辑。同时，她的老歌《Cruel Summer》也登上了全球十大单曲。
新兴乡村歌手 Zach Bryan 首次跻身全球唱片艺术家排行榜前 10 名，歌手 Sabrina Carpenter 也首次进入该排行榜前 10 名。同时，Benson Boone、Teddy Swims 等新兴艺人首次登上全球十大单曲榜单，这些都体现了欧美乐坛的活力。
2024 年的全球十大音乐市场分别是墨西哥。
其中，墨西哥成功打破了澳大利亚保持 30 年的在榜纪录，以 15.6%的增速进入到全球前十。这体现了拉丁美洲的增长态势，巴西以 21.7%的增速成为全球增长最为迅速的市场，所以各大唱片巨头都加大了在拉美市场的布局。
2024 年从地区方面来看，录制音乐收入在全球各个地区持续四年呈现增长态势。中东和北非（MENA）的增长率达到 22.8%，在这些地区中它成为增长速度最快的地区。接着是撒哈拉以南非洲，其增长率为+22.6%。还有拉丁美洲，增长率是+22.5%。
全球 58 个市场中，只有 3 个市场未能实现增长。美国一直是全球最大的音乐市场，其收入增长了 2.2%。然而，与 2023 年 7.2%的增长相比较，今年美国的增长速度较为疲软，远远低于全球的平均水平。
全球第二大市场日本的收入保持不变。第三大市场英国增长了 4.9%，第四大市场德国增长了 4.1%。中国以 9.6%的增幅继续处在第五位。韩国出现了 5.7%的下降。在其他市场中，法国增长了 7.5%。
流媒体的发展逐渐放缓，实体唱片面临着重重挑战，未来的音乐市场或许不再仅仅依靠传统唱片公司和流媒体平台，而是会朝着更加多元且分化的方向前进。
今天，唱片公司扮演什么角色？
在当今的音乐产业里，唱片公司和厂牌培养音乐人或乐队所采用的传统模式，已经展现出了许多矛盾和困境。就像音乐圈资深经理人迟斌之前在微博上所讲的那样，这种传统模式的核心特征可以概括为：周期长、风险高、回报低以及情感会被消耗。
厂牌和唱片公司面临着风险高昂的情况，并且最终可能会引发商业上的失败以及人际关系的裂痕。特别是在遭遇不确定的市场和投资回报时，厂牌所承受的经济压力已经难以持续下去。
如今，唱片公司逐渐转向偏专业化服务的赋能平台。
一方面，在市场竞争激烈且利润有压力的情况下，唱片公司或厂牌越来越倾向于降低风险和投入。它们更愿意挑选那些在社交媒体上有粉丝基础的艺术家，也更愿意选择那些能接受更多繁琐条款合同的艺术家。音乐人的培养不再是一个从无到有的漫长过程，而是更多地聚焦于怎样实现从 1 到 100 的进阶。
一方面，众多厂牌察觉到，“超级粉丝”会成为艺术家重新掌控话语权的关键策略。在对艺人进行培养时，唱片公司愈发重视挖掘粉丝经济，着力突出艺人的个性化，将其延伸至作品之外的范畴，像周边以及社交媒体人设等方面。
2023 年，音乐行业引入了“全球本土化”这一概念。全球化进程在推进。越来越多的唱片公司开始注重本土运营。这些唱片公司也加大了对本土艺人的国际化推广力度。这种做法促进了全球化的发展。
今年的IFPI报告的案例研究版块中，也印证了这三点策略。
案例中提及的西班牙最畅销的拉丁歌手 Myke Towers，是通过在 SoundCloud 上发布歌曲来开启自己的职业生涯的。2016 年，Myke Towers 发布了首张录音室专辑《El Final del Principio》，之后在拉丁美洲积攒了大量忠实粉丝，接着与华纳音乐拉丁美洲公司签订了合约。
今年第 67 届格莱美最佳新人奖的获得者是榜单黑马 Chappell Roan。她被环球音乐旗下厂牌 Island Records 发掘后，采用了以艺人为中心的合作方式。这种方式使得她原本属于亚文化圈层的小众粉丝群体迅速发展壮大，成为了全球瞩目的粉丝基础。
为此，Island Records 不再采用以往符合社交媒体病毒传播逻辑的“短平快”作品模式，而是遵循了 Chappell Roan 的个性化创作方向。例如她的代表作《Kaleidoscope》，一方面帮助她与忠实粉丝建立了深厚的联系，另一方面也成功扩大了她的超级粉丝群体。
Island Records 的联合执行官 Justin Eshak 表示，我们做的每一个决定都是从粉丝的视角去进行考虑的。
黄子弘凡在内地市场的表现，作为索尼音乐娱乐的成功案例被写进了报告中。
国内音乐市场如同全球市场一样，在多样化的潮流里持续发展并日益壮大。观众的品味渐渐变得成熟，他们逐步开始接受各种风格的作品，比如从 Hip Hop 到 EDM，再到 R&B 以及流行音乐等。
索尼音乐娱乐大中华区首席执行官陈国威指出，在与黄子弘凡的合作中，其在音乐风格方面有突出表现。他既可以流利地演绎普通话歌曲，又能够流利地演绎英语歌曲和粤语歌曲。同时，他还能巧妙地把西方元素和本土风格进行结合，从而创造出具有独特特色的音乐作品。2024 年，Bilibili 新年晚会上，黄子弘凡与美国乐队 One Republic 进行了联合演出。这一演出进一步彰显了唱片公司及其所属厂牌对艺人全球化发展潜力的支持。
黄子弘凡团队一直在研究利用社交媒体提升粉丝参与度的方法。他的 Z 世代粉丝不断增加，这使得他在去年短短一个月内，在微博上引发了超过 36 个热门话题，累计浏览量突破 16 亿次。基于这一势头，去年索尼音乐为黄子弘凡举办了五场巡回演唱会，观众人数超过 10000 人。
唱片公司的职责一直是支持艺人实现其创作愿景。在创作门槛被抹平的当下，唱片公司还能为艺人做些什么呢？报告中给出了答案。
唱片公司意识到技术能给粉丝体验带来巨大改变，还能提高公司为艺人提供支持的效率。例如环球音乐集团已收到 600 多份关于人工智能创意用例的提案。这些提案让艺人能将曲库扩展到新语言或新场景，像音乐疗愈、修复旧专辑，甚至能纳入客户分析和互动营销活动，从而大大提高了为艺人提供支持的有效性和效率。
去年，环球音乐开始进行实际操作。在与 AI 技术公司 Soundlabs 达成战略合作之后，为美国老艺术家 Brenda Lee 66 年前的经典圣诞歌曲《Rocking Around the Christmas Tree》制作了西班牙语版本《Noche Buena y Navidad》。这一举措不仅是为了拓展艺术作品的全球视野，还方便在完全授权的前提下进行多样化的使用。
去年 10 月，索尼音乐与 RCA Label Group UK 展开合作。在热门游戏《堡垒之夜》中，英国歌手 Myles Smith 举办了虚拟演唱会。同时，索尼音乐团队与《堡垒之夜》以及 PlayStation 进行了联合营销，助力艺人投身到最前沿的沉浸式体验当中，从而能够与歌迷建立更个性化的联系。
索尼音乐集团全球数字业务的总裁 Dennls Kooker 称，不管艺人想要在那些创意空间中进行何种行为，我们都有能力将其实现。
当下，将专辑当作游戏原声带，或者艺人给新游戏做宣传，都在促使人们对虚拟世界进行探索。AI、游戏、沉浸式体验，或许会成为未来唱片公司在音乐发行和推广方面的新趋势。
可以看出，唱片公司在新形势下逐步脱离了传统的艺人培养模式。唱片公司更多地充当了资源的“整合者”以及“调配者”。并且，这种转变意味着艺术家的签约门槛变得越来越严格。
下一个十年， 音乐产业的生存法则如何改写？
当前，全球音乐产业处于一个关键的交汇点，这个交汇点是由技术驱动以及内容重塑和法律博弈所形成的。在这背后，孕育着深远的机遇与挑战。技术变革正在成为新的增长引擎，AI能够赋能音乐的生产与再创作。它不仅激活了历史 IP，还推动了本地内容走向全球化。然而，挑战也不能被忽视。
今年在伦敦的 IFPI 发布会上，索尼音乐娱乐全球数字业务总裁 Dennis Kooker 说了一番话，这席话直指当下音乐行业当前的核心挑战。全球音乐销售的增长是令人欣喜的，然而这份增长是建立在坚实的版权法之上的。数字平台必须在提供音乐之前获得合法授权，这一点是绝对不能动摇的。
国际唱片业协会首席执行官 Victoria Oakley 在报告中提及，生成式人工智能系统的开发者在未获权利人授权时，会“摄取”受版权保护的音乐以训练其模型，此行为对人类的艺术创作构成了切实的威胁。
然而，有越来越多的 AI 公司在努力游说各国政府。它们希望在法律框架内为自己的训练模型开辟出“例外通道”。这些公司希望通过所谓的“文本与数据挖掘（TDM）例外”，以及对“合理使用”的定义进行扩大，从而规避对创作者的授权义务。
今年 1 月，英国政府向议会提交了一份提案，名为《AI 机遇行动》。该提案建议对 TDM 制度进行改革，把“默认使用”设定为新标准。创作者如果不希望自己的作品被 AI 使用，就需要主动采取“选择退出”的行动，或者“声明保留权利”。
这一提议引发了音乐界的强烈反对。1000 位艺术家，其中包括 Damon Albarn 和 Kate Bush 等，联合发布了一张名为《Is This What We Want?》的无声专辑，以此象征性地表达他们的抗议。
三大唱片公司的高层纷纷发声进行警告，英国议员也如此。他们认为这种做法就如同“让小偷进入你的家，除非你在门上挂上明确表明禁止盗窃的标志”。在艺术创造、技术变革以及法律博弈的夹缝当中，一个关键的命题逐渐变得清晰起来：音乐行业的未来到底应该以什么为基础来构建呢？
环球音乐集团的 CEO Lucian Grainge 认为：现在极为重要，我们必须坚守“以艺术家为中心”的原则，要保证真正的创作者以及支持他们的人能得到应有的回报。索尼音乐集团的总裁 Rob Stringer 也着重指出，技术所带来的收益不应该只被少数平台所掌控，而应该公平地回馈给音乐的创造者。
音乐行业除了要应对 AI 对版权边界的冲击，还需应对不断出现的盗版以及虚假流量操作。一些不法平台借助技术手段窃取音乐内容，还有些平台通过“人工刷流”来操纵数据，进行流量欺诈，试图在混乱中获取利益，这直接动摇了音乐流媒体平台的业务根基，整个行业的发展也会因此受到严重的创伤。
对此，唱片公司正在采取更为强硬的法律举措。目前，从德国、巴西到加拿大，有一批非法的服务已经被强制关闭。这显示出，只有整个音乐价值链一同努力、齐心协力，才能够有效地打击欺诈行为，重新塑造行业的信任。
未来的音乐产业需变得更透明，需变得更开放，需变得更数字化。技术快速进步，市场压力存在，这会迫使行业持续适应新规则和新模式，而这正是下一个十年的挑战与机遇。
